十九世紀初的歐洲，是浪漫主義與樂觀主義風起雲湧的時代。人們追求主觀感受的極致表達，創作核心為抒發個人情感與內在精神。這是一個鼓勵每個獨特靈魂活出自我的時代。
隨著工業革命推動器樂技術革新，歐洲也正式進入鋼琴的黃金年代。鋼琴在機械構造、音域與音量表現皆大幅提升，鋼琴演奏不僅在私密的沙龍空間也走向音樂廳的舞台中央。這樣的變化也影響了作曲家們的創作思維，鋼琴從一個伴奏角色轉化成獨奏樂器。
浪漫樂派的作曲家們大量創作各式鋼琴作品，像是：夜曲、舞曲、幻想曲、超技曲與個性小品等。他們盡情抒發內心情感，音樂內容呈現多樣化，有時是內心世界的投射，也可能是抒情歌唱，或者展現演奏高超技巧。
在當時的上流社會中，特別是對女性來說，音樂被視為一種文化資本，能演奏鋼琴、理解藝術似乎是高雅女性必備技能。因此沙龍文化（Salonmusik）盛行，在這裡貴族、音樂家、藝術家們在這裡社交、交流美學等，音樂、詩歌、哲學等，與個人內在情感連結得更為緊密。
我們所熟悉的音樂家們，像是：蕭邦（F. Chopin, 1810- 1849 年）、李斯特（F. Liszt, 1811- 1886 年）、克拉拉・舒曼（Clara Schumann, 1819- 1896 年），佛瑞（G. Fauré, 1845- 1924 年）等，都是在沙龍中閃耀的星星，這些音樂家不只是演奏者，更是思想與情感的傳遞者。
蕭邦自幼即展現出敏銳的藝術感受力。據說他只要聽到母親彈琴便會感動落淚，六歲便主動要求學琴。七歲時，他便寫下了人生第一首波蘭舞曲。
他不僅在音樂上天賦，也對藝術與文學有極高興趣。他的繪畫能力出色，文字造詣也高，幼時寫的家書語言優美，且特別會描繪生活中微小事情，總是寫得栩栩如生。從他的練字簿可以看出對「線條」的敏銳感，反覆練習各種花體，這或許影響了他日後創作音樂旋律的走向。
蕭邦在20 歲時離開了故鄉波蘭，本來只是為了開展音樂事業的短期旅行，沒想到就再也沒回到故鄉，後來定居於巴黎。他的作品中充滿對故鄉與兒時回憶的思念，他的個性內向、敏感、喜歡用間接方式表達自我，也都在他的音樂語法裡。
蕭邦將他的創作重心都放在鋼琴上面。他的音樂語彙辨識度極高，極其個人化，卻具有強烈共鳴的情感深度，似乎沒有人能不被他的音樂吸引。他非常喜愛使用半音階與複雜的和聲結構，製造情緒的張力。受到義大利美聲唱法（Bel Canto）的影響，他喜愛讓鋼琴演奏出如歌者般唱歌的線條，彈性速度（Rubato）也是他很重要的素材，增強音樂的表現力。多聲部的織度，展現對對位與聲部的細膩安排。
在指法設計上，他大量運用4、5指，特別在高音裝飾音與圓滑音型中，展現出高難度的指尖控制力。蕭邦認為黑鍵多的調性才符合自然的手指設計，如 B 大調、升 F 大調等，因為較長的手指頭幾乎是自然放在黑鍵上面，這樣的手型更符合人體工學。
蕭邦的音樂不僅為演奏者提供了極大的詮釋空間，在技術層面上提供了豐富的教學價值。他是位很細心的老師，同一首樂曲，他會為不同的學生設計不同的指法，也重視正確指法的重要性。在他的作品中常有多連音，他希望學生要幫這些音群分配位置，而非隨性彈奏。他也注重細膩的演奏曾強調：「彈奏時，手指頭要陷進鋼琴裡，要準備好在音上面，優雅地進入下一個音。」無論是身為作曲家或者教師，蕭邦都堅持著極致的標準。
同樣屬於浪漫樂派時期，在音樂圈大放異彩，且兩人時常被拿來討論的音樂家：李斯特。兩人從同時間在巴黎的藝術圈深受大家關注，但演奏風格與個性完全不同。蕭邦內斂害羞，且不喜歡上台演出；李斯特外相張揚，享受鎂光燈的焦點，當時他還引起了一波「李斯特狂熱」（Lisztomania, 這個詞由德國大文豪海涅創造。）李斯特還寫了《蕭邦傳》，內容引用與蕭邦的信件與日常對話，非常讚揚欣賞蕭邦，認為蕭邦的音樂為「詩的語言」。
舒曼（R. Schumann, 1810- 1856 年）雖未與蕭邦深交，卻是最早對於他音樂有正面認可的評論者。他在1831 年《音樂廣訊報》（Allgemeine musikalische Zeitung）中的名言「請脫帽，先生們，這是位天才！」（"Hut ab, ihr Herren, ein Genie!"）廣為流傳。舒曼的《狂歡節》其中的第12 首，就命名為：蕭邦。節奏自由旋律流暢，彷彿是像蕭邦的夜曲致敬。
而提到蕭邦，我們無法忽略喬治桑（George Sand, 1804-1876 年）。喬治桑曾形容蕭邦：他是一位「天使般」的人物，溫柔善良，甚至到了令人擔憂的地步。他們兩人的關係非常親密，喬治桑對他無微不至的照顧，在她的陪伴下，蕭邦創作了許多經典作品。像是在馬約卡島時期完成了24 首前奏曲。在諾安莊園期間完成了《第三號鋼琴奏鳴曲》、《第四號敘事曲》等作品。桑筆下曾寫道：「他的音樂是來自靈魂最深處的低語，是一種無需言語的祈禱。」
小伶老師的音樂筆記 
發表留言