巴赫（J. S. Bach, 1685- 1750 年）所處的巴洛克時期（Baroque Era, 1600- 1750 年），歐洲正歷經一場文化與思想的轉型。經歷三十年戰爭（1618- 1648 年），各地政局逐漸穩定，封建貴族與教會資助下的宮廷文化蓬勃發展，音樂及藝文風氣蔓延於德意志地區各小國之間，一些重要大城威瑪、柯登與萊比錫這些城市成為孕育音樂家的重要溫床。
這個時期的鍵盤樂器仍以大鍵琴為主，其音量固定，無法如現代鋼琴般呈現細膩的聲音變化。在這樣的限制中，作曲家們發展出極為縝密的聲部邏輯與節奏細節，作曲家使用對位與和聲創作音樂。鍵盤器樂音域的限制、各城市間的品味差異，都使得當時的音樂樣貌充滿地域色彩，像是威瑪的商人偏好快速節奏的音樂，而偏遠地區則仍篇保守、教會風格的合唱聖曲。
在這樣的環境中，巴赫不僅承襲了北德風格對複音音樂的嚴謹，也融合了義大利協奏曲與法國舞曲的自由與優雅。
現代當我們要學習一首新曲目時，常常習慣性地從旋律線著手分析樂曲。但巴赫的音樂恰恰相反，他從低音與和聲出發，架構出整體的旋律。他的音樂中每一條聲部都是承重的梁柱，清晰的方向、有邏輯的結構，在初次接觸新曲子時是我們應該先去把它找出來的。
在平均律鋼琴曲集中，他以嚴謹的對位技巧，讓每一個聲部皆可獨立演奏，卻又相互依存，每一條旋律都有獨立的音樂線條，但合起來時依舊展現出和聲結構。
巴赫的音樂經常利用節奏樣式的「恆常性」製造起伏，例如：半音階堆疊、和弦重複、掛留音等，這些元素都能夠製造音樂的張力，推動音樂的流動性。他常將低音聲部轉化為旋律，與高音線條對唱，音樂聽起來就像是豐富的合唱曲。
巴赫影響了後世所有偉大音樂家們。像是蕭邦對巴赫懷有深深敬意，他在馬約卡島創作《24首前奏曲》期間，身邊唯一攜帶的樂譜就是《平均律曲集》。他也親自註解徹爾尼版本的指法，試圖將自己的演奏體會與巴赫的邏輯結合。在他的作品中，聲部豐富性，還有掛留音的使用，都是巴赫對其創作構思的影響。
例如貝多芬，他在奏鳴曲《華爾斯坦》中所展現的聲部佈局與旋律變奏，處處可見複音思維的創作樂思，在他的其他奏鳴曲中也有許多類似聖詠片段；李斯特則在《巡禮之年》與《b小調奏鳴曲》中大膽使用賦格段落，儘管形式已非巴赫純粹風格，精神卻仍在。
據說在巴赫逝世後數十年，莫札特曾在萊比錫聽到巴赫兒子C. P. E. Bach 演奏父親的作品後，驚為天人。他不僅立刻請求學習巴赫的複音音樂，甚至將其主題引用至自己後來的作品中。
學習巴赫的作品不僅是手指的訓練，更是耳朵與頭腦的覺醒。有幾個重要的提醒是我們在練習的過程中要小心的。首先：指法並非單純為了方便彈奏，而是為了呈現樂句邏輯，好的指法才能演奏出好的音樂線條。錯誤的指法不僅會破壞音樂流動性，甚至會使某個聲部從對話中消失。
第二件事情：分聲部練習法非常重要，可以將每一個聲部單獨練習，再逐漸加入其他聲部。訓練自己的耳朵能夠辨別聲部之間的呼應，並練習用不同的音色與觸鍵讓每條旋律都能清楚地唱出來。透過節奏堆疊、裝飾音與大小音程來製造音樂的張力與方向感。
第三件事情：和聲的認識與分析，有時我們面對技術難度較高的段落時，常以為是一連串旋律拼湊而成，卻忽略了作曲家是以和聲出發，其實當我們從和弦進行中去看，我們能夠清楚理解手指該如何移動、重音該如何安排、音樂該如何呼吸。垂直的和聲線條也是相當重要的。
最後，巴赫的音樂往往建立在一種節奏模型之上，微妙變化形成長線張力。順著節奏的長短，音樂該如何呼吸音樂的方向該怎麼往前走，都可以從他的節奏安排中看出來。
小伶老師的音樂筆記 
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